倪培坚的岩画是怎么画的？

岩画，作为一种古老而神秘的原始记录方式。是以石器、金属器、矿物质原料为工具，用简洁、粗犷、原始的刻画手法，描绘、记录下当时人们的生产方式和生活内容。

倪培坚先生的岩画是以岩石为画案，用水墨形式，兼工带写，大泼彩，在大自然中露天作画，好多作品都是在无人区的环境地带完成的。
岩画作为画的鼻祖，发展到今天，还是以国画的基础来画。岩画的材料多样，丰富。可以是沙子，植物，织物等。

岩画的基本画法一。

用中国画手法来话。首先造型上简单概括，需要有古朴稚拙的趣味，同时要有视觉冲击力。
其次，纸张可以用宣纸、皮纸、卡纸、箱包纸。画笔可以是树枝、毛笔、刮刀（画油画）的等等，只要有助于去表现对象呈现出想要的肌理效果。
颜料。中国画的颜料分矿物色和植物色，岩画多用矿物色，其具有覆盖性。先用基础色铺了底色，再用其他色覆盖，搭配的色彩有的地方可以相互渗透融合，而有的地方需要覆盖不渗透。到最后的时候用硬质的东西刮去表面色彩，露出底板色，形成具有刻石痕迹一样的图案。

其他材料的画法。

在岩石上画。用尖锐的凿子去直接刻上图案，在用植物的皮、叶子、布等不同色彩的东西去衬出来，最后涂上透明的胶液固定。
在墙上画。先在墙上涂好黄土，或者其他色的。加入胶调稀均匀的摸在墙上，然后涂上油彩、油漆或者其他色调的东西。再画上图案，表现出远古的场景，有了古拙的意味后，再作细节上的修改，只到满意为止。最后还是要喷涂定画液，保持不掉块掉色。

史前岩画对当代艺术有什么样的影响？

很难说这些人类最早留下来的“绘画作品”能在今天对当代艺术造成什么样的影响，它像人类的共同记忆一般存在，作为被发现的最早的人类“艺术形式”之一，它对今天的文化进程不太可能造成比较直接的影响，但当今的一些研究，让我们对这些史前岩画有了一些新的认知。

看一张图：

形象的一部分有些缺失，实际上我们正看着的部分是一头牛的下部，不用仔细观察我们都能很清楚地注意到，它拥有比4条多得多的腿，如果我们将绘画单独拿出来，黑底白线地观看会是这样的：

这样就清楚多了，一头非常清晰的牛的形象，稍微有些奇怪的是，它拥有双倍的腿——然而这种重叠在一起的连续素描，在史前岩画中并不占少数，这一度困扰了一些史前学家，后来，开始有人怀疑，难道——

（此处应该是动图）——图像被分解成了两部分，或者用现在的专业词汇说，这幅绘画实际上重叠在一起的两“帧”，腿表现的事实上是一头运动的牛，它们共用一个身子。也就是说，那些在史前岩洞中记录形象——绘画的古人们，试图做的是一个“动画”，甚至可以说，动画早在几万年前就被发明了。

这样的例子仅在法国境内的其他岩洞的史前绘画中都能找到，提取的绘画时这样的：

（法国拉斯科岩洞）

可以分解成：

又如：

来自法国的庇里牛斯山区的三兄弟洞窟

尾巴的部分可以分解成动画

再比如：

位于葡萄牙西海岸的FOZ COA岩洞，看上去是一幅群马像：

分解成三幅画后，能够很清楚地看到马低头的动态。

有一种叫thaumatrope的玩具，大家一定不陌生，中文有叫幻影转盘或是留影盘，长这个模样：

比较常见的是笼子和一只小鸟的形象，分别在圆盘的两侧，双手拧绳让其转动起来时，两个形象会因为视觉残留“融合”到一起。

在岩洞里找到的古物件里，我们也惊奇地发现了类似的东西，在专家的重新制作复原下，我们能看到：

当我们转动圆盘时，我们看到的不再是分开的两张动物不同姿态的图像，还是一个“动物死去”的场景。

不知道有没有其他语种的资料，我阅读了一些法语资料以及主要影像来源于该纪录片：

个人认为史前岩画中有几个元素依旧跟今天的当代艺术相关联：其一，动画是否是被古人以岩画形式发明的，事实如何并那么不重要，重要的是它揭露了人类对于影像的痴迷，是紧密和时间联系在一起的，一整套动态的图像，是对一段具体时间的记述。这种对于动态影像的追逐看来从一开始就从未停止过。其二，我们也可以假设，史前岩画类似于彼时的展示系统，绘画并不是单纯作为图像记录存在，幻想当时，当古人举着火把进入这个“画廊”时，视线是随着光线流动的——记录的形象也是重叠流动的，展示也是动态的。

作为艺术爱好者，你认为崭新的绘画题材是怎样冲击固有的绘画思维？

你好亲，很开心回答你的问题

崭新的绘画题材，如何冲击固有的绘画思维？

个人拙见，其实对于绘画创作而言，恕我直言，题材不是最重要的，画家怎么创作，用什么样的绘画语言，绘画风格创作，才是最重要的

个人拙见，画面形式美感的重要性，高于绘画题材

西方美术史上，同一个题材，许多画家都在创作

西方美术史上，老掉牙的绘画题材是宗教神话故事，如丽达与天鹅，达娜依与宙斯的约会，亚当和夏娃，维纳斯的诞生，最后的晚餐

但是，由于每个画家的技法不同，创作思想不同，擅长的画风不同，所以即使画同一主题的题材，都会呈现不同的绘画风格

比如《维纳斯的诞生》，波提切利，布格罗都画过维纳斯的诞生，但是出自不同画家的手笔，画面呈现的是不同的绘画风格，色调，构图

个人拙见，西方美术史上，老掉牙的绘画题材，比如丽达与天鹅的绘画题材，从十四世纪文艺复兴时期，跨越到二十世纪的抽象画派

同一题材的绘画作品，不同画家创作出来，也是不同的绘画风格，创作理念

比如文艺复兴三杰之一，达芬奇的作品《丽达与天鹅》，是用古典的绘画手法，表达含蓄，典雅的情爱主题

而超现实画派画家达利，创作的《丽达与天鹅》，融入了自己的哲学思想，画面是现代科技原子，跨越时空的荒诞的梦境

抽象派画家托姆布利创作的作品《丽达与天鹅》，画面是抽象画绘画语言，不见清晰的丽达与天鹅的形象。

比如达娜依与宙斯约会的题材，在提香画笔下的《达娜依》，是古典写实的表现手法，运用提香自己独特的金色调，营造宙斯化作金雨引诱达娜依的情景，营造画面光彩夺目的色彩氛围

而维也纳分离派，克里姆特的绘画作品《达娜依》，则用自己独特的镶嵌风格的绘画语言，表达情爱的主体。

对于绘画题材，个人拙见，可以创新，画前人没有画过的绘画题材

比如印象派先驱画家马奈，以妓女为模特素材创作《奥林匹亚》，把裸女放草地上创作《草地上的午餐》

还有莫奈画现实生活中平凡的草垛，睡莲，教堂

米勒，库尔贝画现实生活中的底层农民

乔尔乔内创作《暴风雨》，画中风景占据重要部分，人物退成次要部分

以上在西方美术史上，都是史无前例的绘画题材

但是个人拙见，绘画形式语言，如画面构图，骨架，色调，氛围，格调的重要性，远远高于绘画题材的选择

如果绘画题材特别创新，许多前辈都没画过，但是一个画家的画功不到位，对绘画题材的理解不到位，或者画面形式语言不到位，同样表达不出到位的艺术效果

回答完毕

我是艺术狂人，从事少儿美术教育，如有美术，美术教育的疑问，欢迎私信

怎样欣赏绘画作品？

怎样欣赏绘画作品？绘画越来越作为一种高深的、有层次的艺术，以至于大众对绘画会产生一些分歧，那么，怎样来欣赏绘画呢。 1 看整体，素描、水彩、油画、国画、版画等等作为不同材质区分，产生的艺术氛围不同，国画讲究韵味、笔触，素描、油画从西洋传过来，也称为所谓的西画，素描先看黑白灰层次分明，油画看艺术氛围和整体色调。比如我们在欣赏梵高先生的《星空》，映入眼中第一感觉是它的颜色，强烈的对比，蓝色黄色那么干净纯粹，烘托出整体的一种氛围。 2 看色调关系，出彩的色调，首先要关系明确，冷暖对比，有层次感，可以是细腻的，也可以是粗旷的，不同风格表现形式。颜色关系烘托整体氛围，一幅好的作品，那么它的色调一定是融合的，也就是说，在这个整体的氛围里面，能够让人产生共鸣，让观看者能够身临其境，置身于画面所表现出来的艺术感中。 3 看细节刻画，国画也好，西画也好，都需要有整体，有局部，欣赏一些闪光的局部刻画，是作品加分的点。比如我们在欣赏大师的油画作品时，很多细节亮点可以仔细观察，不光是细节刻画，也可以看到它的局部色调微妙的变化，这些都是值得我们去细细欣赏品味的。艺术是要有灵魂的，能让观看看到情感，产生共鸣，能够让人流连忘返的都是优秀的绘画作品，艺术没有固定的答案和限制，重要的还是观者的感受，觉得它能够给我带来美的享受就够了。

有人说中国传统绘画是由书法演变出来的一个分支，你怎么看？

中国传统绘画不是书法演变出来的一个分支。书法也不是绘画演变出来的一个分支。

为什么说书法不是绘画演变出来的一个分支？

因为在六书中的象形文字之前，都有了抽象刻画符号，在殷周青铜器上，有些族微就是文字刻画符号，(如下图)。

还有西安半坡村遗址中出土的大量彩陶，有文字的简单刻画符号。

郭沫若先生在《考古》1927年第3期发表的《古代文字之辩证的发展》中说:"(早期殷代文字)在结构上可以分为两个系统，一个是刻画系统(六书中的指事)，另一个是图形系统(六书中的象形)。刻画系统是结绳，契木的演进，为数不多，这一系统应该在图形系统之前。因为任何民族的幼年时期要走上象形的道路，即描画客观物象而要能象，那还须要一段发展的过程，随意刻画却是比较容易的。″

既然最早的文字是抽象符号，然后过渡为象形文字。再演变成有自身特色的抽象文字符号，它和绘画有区别在先，有联系借鉴在后，可以说书法不是绘画的分支。是一独立艺术系统。

因为书法和绘画曾经合作过，书画一家的说法也有一定道理。

现代书法作品应走自己用抽象线条来现意境的路，如果把它写成具象的绘画效果，就会失去生命力，国画完全可以承担这一任务。而且表现力更丰富，书法也会失去艺术价值。

(王宠草书作品，个人浅见，仅供参考。不当之处，敬请包涵。)

如何欣赏西方绘画艺术？

西方绘画现在说来也就是西方油画。

20年前，当我在大学图书馆第一次看到一本西方经典油画集册的时候，我就被油画栩挧如生的造型具像和真切自然的色彩描绘所叹服，由衷感到油画的表现力和感染力实在太强了。

如何欣赏西方油画呢？我有这么几点体会：

一，从构图造型上欣赏油画的创作技法。

素描是油画的基础。一幅油画成功的关健就在于构图造型，它既是油画作品的立意，也是画家绘画造诣的体现，而构图造型是通过素描完成的。我们在欣赏西方油画时，首先要看它的构图造型是否科学严谨美观简约。达芬奇的《蒙娜丽莎》、安格尔的《泉》之所以能成为油画中经典中的经典，很大程度上是胜在了构图造型达到了极致。

二，从色彩描绘上品味油画的情感情绪。

色彩是油画的语言。每一幅油画都有画家想要表达的情感和情绪，这种情感情绪主要通过运用色彩的明暗冷暖色调来表达。比如雷诺阿的油画总是给人一种温馨明快的情绪感染，因为他的作品多是运用了明亮艳丽的暖色调。这和雷诺阿所表述的“这个世界丑的现象已经不少了，我们为什么不能多表现一些美的温暖的事情呢”的艺术主张是一致的。

三，从西方绘画史中加深对西方油画的理解。

任何一种艺术都有它产生的社会历史文化环境。西方绘画也是这样。从中世纪的水彩水粉蛋彩画到十五世纪油画产生，在西方油画发展的600年里，经历了十四至十六世纪文艺复兴和十九世纪到二十世纪初等几次大的发展变革时期，从起初的古典主义油画创立到后来的印象主义抽象主义油画产生，都有其文化根源和时代背景。了解一下油画的这个发展脉胳和其在各个时期所处的社会文化时代背景，对于更好的欣赏西方油画是有帮助的。

怎样在国画上题写古诗？

在国画上题写古诗一定要远择古诗意思和画面意境相符合的内容。写上古诗更能增加画面的意境表达那是真正的珠联璧合了

绘画作品的内容中，为什么国画大多是动、植物和山水，而油画就总是一些漂亮的女人？

岩画作为绘画的祖宗，世界上的岩画都差不多，包括了中国。

然而，当中国人脱离了粗布开始穿丝绸之时，欧洲的贵族们还只能穿着粗布。中国人奢侈的把字画记载在细布与丝绸上时，欧洲人在搞壁画（中国有类似敦煌壁画的佛像画）。当中国人全面采用绢与纸作书画时，欧洲人刚刚舍得在布面与板材上作画。

这些人文的背后，离不开科技与材质的影响……绘画也就自然而然的根据载体（材质）而变化了（中国选择了水性材质）。反观欧洲从习惯上来说选择了几百年的绘画习惯（油性材质）。

当中国人开始了追寻人与自然关系之时，欧洲还在对神祈祷中……

总而言之，两种不同的哲学观，决定了不同的表现形式与体材。

中国随后又开始了把作为人物画背景图的山水，用主题形式开始了表现。（这在中国绘画史上有详解）

顺便说一下，毕加索的人物立体派，早在二千年前的汉代徐州墓中就有了。

女性题材的绘画作品难道只有油画能表现吗？

这个问题问得好！

这个问题的实质是在探讨不同绘画形式所选题材的倾向性。下面仅就油画和国画在选取题材时的优先性和倾向性，来谈谈这个问题。

一、女性题材的绘画只有油画能表现这一论断，是有片面性的。

毋庸置疑，女性题材是油画作品表现的一个重要方面；但绝不是全部。静物、神话故事、山水等题材在油画作品里也屡见不鲜。

同理，国画除了山水、人物、花鸟虫鱼等题材外，人物也是国画的一个重要选项。敦煌壁画里的《飞天》、清代《古代仕女行乐图》、现代画家薛林兴的《贵妃醉酒》其尺度不亚于油画里的人体艺术油画，等等。这些国画女性题材画作，都在向世人证明，女性题材绝不是油画的专利。

二、国画中的女性题材画作与油画相比要少，除了受封建思想禁锢外，没有女模特也是一个不可忽视的原因。

几千年的封建思想——男女授受不亲、女子笑不露齿等清规戒律，挡住了国画家向往女性美的心，捆住了中国画家的手脚，也束缚住了国画家探讨、描绘女性美的思维。他们只能将画笔更多地朝向山水和花鸟虫鱼。在那个时代，男女不同校，着衣的女子都不轻易出门，即使有个别胆大的画家想画女子画，模特就是一个几乎无法解决的问题。正因为如此，近代画坛上才开了潘玉良以自己为模特作画，徐悲鸿、林风眠等大师以自己夫人为模特的先例。

在模特问题上，油画则没有这样的烦恼。西方人特别开放和前卫，女性做模特既不会被别人笑话，也不会受到家庭的阻挠。

综上所述，女性题材绘画并不是油画的专利，只是由于思想观念等问题，国画中的女性题材作品少些，而油画表现的女性作品多些罢了。

史前人类的洞穴壁画是怎样的？

谢谢邀请。

在我国，体現史前人类文明，有在岩石上做画。例如著名的广西左江宁明地区，有《花山》岩画。在云南阿佤族地区，有《沧源》岩画。

而在国外，发現的史前文明，則是在山洞内的洞穴石壁上做画。

①最著名的，是法国里昂附近的《拉斯科》洞穴内的画作。距今约有15000年，是旧时器吋代。壁画采用多种颜色的塗料，有许多大型动物的画像，画像呈动态，不再死板。

据传，此岩洞的发現，要感谢几个少年。他们在山上追踪一只野兔，野兔跑进岩洞。少年追到洞里，从而发現了壁画，揭开了《拉斯科》洞穴的神秘面纱。

②还有西班牙的《阿尔塔米拉》石洞内的壁画。该壁画的发現，从另一侧面印证了西班牙发掘出土的古猿，在人类进化史上的地位。

为什么把中国画称为， “丹青”？

许多汉语词汇经过文化语境的演变，其意思变得相当丰富，“丹青”一词恰恰就是如此。

以现在的含义来看，“丹青”专指绘画，经常出现在书面语言中，人们形容擅长国画的人时，会说“工于丹青”，把国画造诣高的画家，如吴昌硕、齐白石、张大千等大师级国画家，常说成是丹青妙手，并且是一个尊称，含有景仰之意。

“丹青”一词最早出现在《周礼·秋官·职金》里：掌凡金玉锡石丹青之戒令。

本意是指红色的丹砂和青色的青雘两种天然矿石颜料，因为国画刚在我国诞生时，人们对色彩、技法还没有什么概念，只是简单地描绘眼睛所看到的物象，描绘完，为了增加装饰效果，就从大自然中捡来很常见的丹砂和青雘矿石，研磨成细粉作为绘画的颜料，久而久之，“丹青”一词就指代绘画颜料。

后来，人们逐渐发现了许多五颜六色的天然矿石，经过加工后，并应用在国画里，逐步让国画颜料和色彩构成丰富起来，画出的画也更加漂亮美观，但画家的劳动成本在无形中增加了不少。

在画画前，画家要考虑许多问题，比如，怎么勾线，怎么构图，怎么填色，怎么提炼作品的意境，等等，画画过程变得更加复杂。

为了画出满意的作品，画家不得不拿出大量时间来琢磨，因此，“丹青”一词在指向上，逐渐从绘画颜料演变成作画的过程，或者是作画的人，跟现代的“画家”、“艺术家”的意思相似，比如，杜甫在《丹青引赠曹将军霸》诗里说道：丹青不知老将至，富贵於我如浮云。

唐宋之后，国画迎来高速发展时期，各种技法趋于完善，画画的人越来越多，朝廷会专门开办一些机构，如“翰林图画院”，来供养在画画上有一技之长的人，这些人有了专职称呼，叫做“宫廷画师”，不再用“丹青”来指代他们的身份。

也是在唐宋时期，“丹青”一词成为国画的书面用词，被固定下来。

花山岩画是怎样画上去的？

崇左市位于广西壮族自治区西南部，北回归线以南，地理坐标在北纬21°36`~23°22`，东经106°33`~108°6`之间。崇左市面向东南亚，背靠大西南，东及东南部接南宁市、钦州市，北邻百色市，辖江州区和扶绥、大新、天等、龙州、宁明5个县，代管县级凭祥市。其中西与西南部的宁明、龙州、大新、凭祥四县市与越南接壤，边境线长533公里，是广西边境线陆路最长的县。花山岩画。在广西壮族自治区崇左市宁明县东南14.5公里花山屯北明江东岸。位于宁明县城西南约25公里处的明江河畔，有一座断岩山，临江断面，形成一个明显内凹的岩壁。岩壁上留存有大批壮族先民骆越人绘制的赭红色岩画，这就是举世闻名的花山岩画。花山，壮语名为“岜来”，汉译为“有画的石山”。画面临江，崖壁明显内斜。广西左江流域的宁明、龙州、崇左、扶绥、大新、天等、凭祥等县市的沿江地区都分布有崖壁画，共79处，这些崖壁画多集中在江河转弯处宽大、平整、垂直壁上，陆地石壁和洞穴也有少量分布，花山崖壁画是其中规模最大的，全幅画长135米，高44米，分布在宁明县明江耀达河段的花山崖壁上。以上，有崇左市宁明县花山岩画的详细地点。

有朋友去过花山岩画吗？您觉得花山岩画的文创产品应该怎么发展？

花山岩画我去过，没去过的可以去看看，你问的其他我不知道[呲牙]

美术不好的人，可以画出优秀的作品吗？

我认为美术不好，能画出好的优秀作品来。

专家说了算，別人说好画好作品不算。能认识专家，专家评论，专家点赞才算真。

现存最早的画作是哪个朝代的？谁画的？

看到了这个题目，是我想到了《诗经》，诗经中的诗篇并未说明出自于哪位诗词作者。艺术来自于大众，之所以后来产生了许多流芳千古的诗词大家及他们的诗篇，是因为随着社会文明的进步，诗词向更高更深的方向发展，诗词创作也成文人骚客的专利，分起了阳春白雪和下里巴人。

绘画创作这门艺术也是这样，最先的画作也是来自于大众，至于谁是画作的最先创作者，这是无法考证的。其实文字的最初出现，也是画作，只是给这样的画作加上了一定的寓意和读音才变成了文字。因而说画作的出现远远早于文字。

在没有朝代之前，当人类还处于元始社会时，画作就已出现。因而问第早的画作出现于哪个朝代？谁画的？回答只能是在未出现朝代的年代就产生了画作，第一个画作就是无从考察的劳动人民。

艺术来源于大众，又应为大众服务。那种钻进象牙之塔，脱离大众的艺术是没有生命力的，绘画也是如此。

在绘画创作当中怎样随意表现一个人的？

有句话说得好：“看似无意其实处处留意笔笔有意”。我想这句话用在画家的作画上是非常合适的。

无论是哪一个画家，只要这画家成熟，都不会在自己的画作中随意去表现一个人的，在画家的笔下，“一颦一蹙皆有意，一枝一叶总关情”。

达芬奇的《蒙娜丽莎》，从构思到完成前后用了14年的时间。这期间，达芬奇的大部分时间都在思索怎么来表现“蒙娜丽莎”这个人，什么造型，什么姿势，什么动作，什么表情，用什么背景烘托等等。据说为了表现出“蒙娜丽莎”含意丰富的微笑，达芬奇单在“蒙娜丽莎”的眼角处和嘴角处就修改了几十次。正是靠着这种严谨细致处处留意的创作态度，达芬奇才得以创作出《蒙娜丽莎》这样一幅文艺复兴时期古典主义油画的开山之作和传世经典。

安格尔的《泉》是一幅青春少女正面全身呈站立姿态的人体艺术油画。在此之前，西方油画虽然表现人体艺术的油画不少，但以正面站姿呈现的还没有。这样直面的油画在创作中稍有疏忽或掌握不好“度”，就有可能流于低俗。为此，安格尔从1830年开始酝酿创作这样一幅油画，其间画了改，改了画，仅素描稿就画了8幅，真是煞费苦心。直到1856年这幅画才正式完成，前后竟是26年的时间。当时已经76岁高龄的安格尔看着这幅“孕育”了26年的作品喜极而泣，老泪纵横。《泉》被许多国家列为人体艺术教学的范本。

抽象立体主义绘画大师毕加索的抽象人物画，很多人看上去感到画的很“随意”，其实不然，画家描绘的每一个人物动作表情都是有寓意的，如《加威农的女人》中的六个女子形态各异，表情不一，似乎离奇怪诞夸张，但每个人都表现出了不同的心态，是以抽象的手法反映了现实生活中某些人群的生存生活状态。