绘画作品是让人看明白的好还是看不明白的好？
不是用文字、用绘画形式来表达作者的中心思想，与观众心灵勾通的作品才是最有意义的。作者的功底，技巧，主题出彩得到大家赏 识就是一幅好作品，价值会高。
当然绘画艺术分门別类，繁华似锦，东西方人审美观不一，价值观不一，会有很多不同见解。比如，西方画的抽象派大部分人看不懂，而一部分内行人欣赏不已，这是客观存在的现实。
我觉得中国山水画，水墨画，虫草画是最美的，诗情画意，心旷神怡，一看就懂。西方油画逼真，透视也令人叫绝，一看就懂，表现美与善的作品更好。
绘画界有一派猎奇心理，画的怪异，神秘，茫然，一句话，看不懂，大概有个別人有见解，反正不是大众作品。但我觉得其绘画技艺，用笔、着色显得更 娴熟，更巧妙，倒是对创作的手法提高有益。
总之，无论看懂和看不懂的作品各投其所好，客观存在，就不褒貶了。谢谢邀请。
绘画大师作品的创新性，开拓性，你能理解吗？
“好看的皮囊千篇一律，有趣的灵魂百里挑一”，用这句话来形容艺术里的现象，最为恰当了，不管是艺术作品，还是艺术家都适合用这句话来形容，也就是说，出众的艺术家很少，杰出的艺术作品也很少，问题来了：绘画大师作品的创新性、开拓性，你能理解吗？
绘画大师作品的创新性、开拓性的意义价值
若说在古代，或者距离我们100年前的那个时代，绘画大师算是比比皆是，然而到了现在，连艺术家都成为一种奢望了，更不用说艺术大师了，究竟什么原因让“艺术大师”从此“灭绝”，说来话就长了，那就暂且不多做解释了，我们只谈那些真正的绘画大师及其作品，
我们要这样去理解，艺术家对于自己的艺术创作，是有很明确的个人目的的，说高大上一点，就是为艺术而艺术，毕竟艺术是需要继承和传承的，同时也要迎合时代和人们的审美，而每个时代的人们的审美观念也是有所不同的，那么，绘画大师作品的创新性、开拓性的意义价值就是为了迎合时代和人们的审美，
艺术不创新是不行的，不开拓也是不行的，对于绘画艺术来说，它是视觉艺术，避免人们的视觉审美疲劳，必须要进行开拓创性，当然了，是在继承文化底蕴的基础上进行风格创新，就比如，西方油画艺术，每一种流派风格的油画，都是继承“写实”文化基础上进行创新的，
当然了，绘画大师作品的创新性、开拓性，是艺术家得以“名利双收”的一种艺术手段，为什么这么说呢？其实道理很简单，每一种流派风格都有一个或几个“开宗立派”的艺术家，他们是属于“第一个吃螃蟹”的人，委婉的说是艺术的先知先觉者，自然他们就可以名利双收了，然而，艺术流派风格是有“保质期”的，过了保质期之后，人们就审美疲劳了，后世的艺术家为了生存下去，不得已再进行开拓创新，又一次“开宗立派”，至于有没有人买单，就看时代的造化了，艺术创作，不进则退！但是毫无章法的天马行空的进行开拓创新。
我是搞收藏的，吃过不少亏。书画家们能说说关于书画收藏的要领吗？
想争钱就要收藏大家名家真迹！彷品大家名家的名画是不值钱的，到头来只有永久在自己手里。那就须要有很高的鉴赏水平，如果不懂画，看到是名家的名画就收藏，劝劝不是收手吧！（本人温馨提醒！）
北宋画家文与喜欢画竹，经常在竹林里观察竹子生长特点，他画竹时心里就有底了，画出来的竹子就非常生动？
胸有成竹 北宋画家文同，字与可。
他画的竹子远近闻名，每天总有不少人登门求画。文同画竹的妙诀在哪里呢？原来，文同在自己家的房前屋后种上各种样的竹子，无论春夏秋冬，阴睛风雨，他经常去竹林观察竹子的生长变化情况，琢磨竹枝的长短粗细，叶子的形态、颜色，每当有新的感受就回到书房，铺纸研墨，把心中的印象画在纸上。目积月累，竹子在不同季节、不同天气、不同时辰的形象都深深地印在他的心中，只要凝神提笔，在画纸前一站，平日观察到的各种形态的竹子立刻浮现在眼前。所以每次画竹，他都显得非常从容自信，画出的竹子，无不逼真传神。当人们夸奖他的画时，他总是谦虚地说：“我只是把心中琢磨成熟的竹子画下来罢了。” 有位青年想学画竹，得知诗人晁补之对文同的画很有研究，前往求教。晃补之写了一首诗送给他，其中有两句：“与可画竹，胸中有成竹。” 故事出自北宋苏轼《文与可yún dāng谷偃竹记》。“胸有成竹”，比喻做事之前已作好充分准备，对事情的成功已有了十分的把握；又比喻遇事不慌，十分沉着。如果给你一个选择的机会，你最想收藏哪位大师的哪一幅作品？
世界上没有如果！一般人即使是专业的绘画爱好者，都希望自己能收藏到水平高、自己喜欢的名家艺术作品，但这只是奢望，因为，既然收藏当然要收藏无论是作品水平质量、市场潜力价值都高的作品。同样它的价格也是天文数字，我等此生别想了！只能在梦中拥有收藏到：达芬奇、米开朗基罗、伦勃朗、罗丹……，中国书法的王羲之、孙过庭、于任右……的字。
哈哈可能吗？所有的一切愿望只能限制在梦幻里！
画小人书的大师都有谁？
提到小人书就绕不开这一位大师，他的一生清贫又传奇，坚持一辈子只画“小人书”！很多读者朋友们都对老先生怀有崇高的敬意并且深刻缅怀这位老人带给那个年代的精神粮食，艺术君就带大家走进他的世界！
贺友直1922年生于上海，浙江宁波镇海（现为北仑）人，他的一生清贫又传奇。这位中国画坛的“故事圣手、白描泰斗”，坚持一辈子只画“小人书”，却把作为大众读物的连环画变成了中国的艺术瑰宝。
白描人生
贺友直是特定时代、特定国度造就的连环画家，一直以平实白描的手法致力于人物造型、生活场景及总体构图，从而使连环画脱离了小儿科而成就了蔚为大观。中国当代美术史上，贺友直在上世纪60年代的连环画创作影响巨大，足以与齐白石、林风眠、潘天寿的国画丹青并立千秋。它们共同构成的美术浪潮，深深影响了中国美术界。
1952年，贺友直考取上海“连环画工作者”学习班，结业后就被分配进了新美术出版社，后来并入人民美术出版社，一干就是30年，直到退休。他创作的第一部连环画作品是1949年10月创作的《福贵》。他的《火车上的战斗》曾在1957年全国青年美术作品展览中获一等奖。他的作品《山乡巨变》，被称为是中国连环画史上里程碑式的杰作，并于1963年在文化部与中国美术家协会举办的全国第一届连环画评奖会上获一等奖。他的得意之作还有《白光》、《山乡巨变》、《朝阳沟》、《连升三级》、《十五贯》、《小二黑结婚》、《申江风情录》等，出版有《贺友直谈连环画创作》、《李双双》等。上海人民美术出版社专门出版《贺友直说画》（图1），《贺友直全集》也正在编撰中。
特别值得一提的是长篇连环画《山乡巨变》（图2）。1959年，上海人民美术出版社派贺友直去画反映农村搞合作化的作品《山乡巨变》。从小在江南农村生活，贺友直对农村生活并不陌生。接到创作任务后，贺友直两次到湖南益阳“下生活”。当时农村的生活极为不便。一去几个月，除了床铺、便壶不带以外，被褥、脸盆、热水瓶、手电筒、毛巾、肥皂、牙膏、牙刷、纸张笔墨以及换洗的衣服，样样生活必需品都得带上。“下生活”，要“三同”。“上厕所要蹲粪缸，睡觉躺在油腻的枕头上，下地劳动用手舀粪……农民怎么吃喝拉撒，你都得和他们一个样。”久而久之，与农民有了感情，农民都夸贺友直“内行”。《山乡巨变》一共画了三稿，他从《清明上河图》借鉴了俯视绘图，又从陈老莲的《水浒叶子》中学习他的画山、画水及人物的线条处理，形成了自己的白描手法。
从《山乡巨变》（图3）的创作中，贺友直总结出了一生受用的至理名言：“从生活中捕捉感觉，从传统中寻找语言，从创作实践中发现自己。”自画《山乡巨变》开始，贺友直形成了自己的个人风格。
贺友直定义了“三次艺术高峰”：第一次是上世纪60年代创作《山乡巨变》、《李双双》、《齐白石的一生》，把“下里巴人”的“小人书”变成了高雅独立的美术作品；第二次是“文革”之后，一口气拿了五个全国性美术大奖，让本来依附于文字的连环画绘画变成了独立创作；第三次是“衰年变法”，上世纪90年代，贺友直开始画老上海风俗画，用连环画记录这座百年沧桑、中西合璧的城市。
上个世纪的艺术大家，许多都画过连环画，或以此谋生，或从中汲取了艺术营养。但唯独贺友直一生钟情连环画不移，为之耗尽心血、燃烧生命。黄永玉赞誉他“对连环画有着宗教式的虔诚”。
画坛清泉
贺友直一生清贫，率真至性。在当今被虚名浮利遮蔽的“商品画”时代，坚守内心的陋室与纯净。他住在上海闹市的陋室中，大小不过30平方米，自己戏称“一室四厅”。那些艺术成就辉煌的连环画，都诞生在一间只有五六个平方米的小小画室中。
贺友直的生活也极其简朴。黄酒是他的“生命口服液”，他每天早中晚三顿酒雷打不动，其余时间多半在画室中精心构思创作，不为外界名利所惑。许多商人、朋友向他高价求画，贺友直坚持不卖画。对于当下许多画家一平尺达到十万数十万的画价，贺友直一嘲了之，“又不是卖布！”此外，他的所有画作都捐给美术馆，不留给子女。
贺友直惜时如金，不愿意受到频繁打搅，很多连环画爱好者到上海求见，都有被老先生拒之门外的经历。
恰如其好友谢春彦所言：“其为人之风格亦确如是，亦确如他笔下主要的形式白描，一根墨线儿到底，光明磊落，是绝无什么枝蔓的。然即如清清之泉，其亦必有艰难的出处，波折宛转起伏回还，在山泉水清，出山泉水浊，在这样一个史无前例的纷繁复杂的社会里，倘贺老只是率真行事行艺，恐怕是弄不到今天这一步的吧。”从贺友直的连环画中，人们所看到的不仅只是一幅幅风俗画，更可以藉此追寻一个已经逝去的时代。贺友直的连环画绝非一般意义上的“小人书”，而是一代人的集体“文化记忆”。
原文：《他走了——小人书合上了最厚重的一页》-林霄红
资源出处：《中国收藏》2016年5月刊
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